在像與不像之間，對話就開始了。

明明畫的是印象中的某張臉，在塗抹之後，七分像三分不像，這是我知道的那人嗎?
明明已經完成的畫作，為什麼要塗它、抹它?
塗與抹，多麼日常生活…就像是上油漆，或是拿一塊布來擦桌子，看來似刻意卻又隨意。

當 觀者心中產生這樣的質問時，巫日文的作品，即在畫就之後，開啟了新的旅程。在看似熟悉的臉孔上，加入直刷、橫刷的即興筆觸，畫者藉著筆刷傳達作畫時的心情 變化。在畫作被完成的過程也充滿畫者想表達的元素：強調從生活的細節中生長出來的藝術樣貌，轉換日常生活細節隱性氛圍，以畫作為載體，建構圖像密碼。無論 是使用的工具(油漆、羊毛刷、抹布、水桶)，或是作畫的姿態和動作(刷、塗、抹、擦)，都是尋常日子裡人們容易經驗的動作。巫日文意欲藉著”尋常動作”發 展出”藝術創作”的概念，與觀者產生互動，故此他幾乎每次畫展都有現場作畫的行動藝術展現。

另外，他不斷尋找在與畫作完整性”被破壞”之 後，觀者心中產生”意外”的驚訝感，這樣的意外產生出來的內心對話，就是畫家所期待的符碼。巫日文在畫上重複塗刷像是在為畫作加密，而觀者心中的對話就成 為解碼的過程的。他的作品挑戰在普世價值中人們所認定的”形象”，表達出畫家以自身理解的角度來解讀畫中主角，從人物畫的先天框架跳脫出來，「像與不像」 就不再是重點。

身為台灣的原住民，目前他正在進行一系列的畫作，名為「台灣人的色素」，這系列作品是先對設定的畫作主角進行深入的背景研 究，再前往詳細的田野調查，有了進ㄧ步的深度了解，才著手作畫，每幅新的作品就是一份田野報告。「台灣人的色素」立即讓人聯想到台灣人膚色、人種、DNA 的多元性構成。

巫日文所選擇的主角，從對台灣有貢獻的外籍人士(如李石樵著名畫作「切膚之愛」的主角蘭大衛醫師、彰化二林喜樂療養院的創 辦人瑪喜樂婆婆)，或是過去數十年的台灣重要藝術前輩，(如蕭泰然老師)，也包含了大家所熟悉的名人(如鄧麗君、證嚴法師)。色素的概念源自於台灣這塊土 地上人們的多重血統、多元文化來源。他所進行的人物選擇、田野調查、資料閱讀與轉換，是一個溯源的過程，作畫則是建構符碼的過程。

巫日文 將他的原住民血統在這系列作品中表露無遺：過去的原住民用出草的儀式來增強自己的信心與精神力量，而巫日文在每一幅人像畫中，注入自己的精力，也吸取更多 的養分。每一次新創作完成的那一刻，都充滿著對下一次創作的信心，他清楚認知作品的完成不等於結束，因為當每一幅作品在觀者面前出現時，將會產生新的想像 和符碼，於是作品的歷史與觀者的再一次對話，會隨著每一次的解碼，延續畫作的生命。

建構與拆解，符碼與後設，巫日文的畫作從這個獨特角度，表現出他的後現代性。

睽違台北十年之後，他的最新力作，期待與您產生對話!